22 Oct 2016
10:00 a 12:00
Panel 1
Géneros,
identidades y discursos escénicos: construir diálogos de integración y
afirmación de las diferencias I
Escenarios latinoamericanos y
las teorías feministas del punto de vista y la interseccionalidad.
La escena feminista es fuertemente política si pensamos en “lo político”
como un modo de acción puesto en práctica por una clase específica de sujeto,
que se deriva de una forma particular de razón. Esta razón toma en cuenta los
fines de la violencia de género, la conecta con la estructura social y
económica y no se limita a señalarla como un problema sico-social. Si seguimos
diacrónicamente la escena es posible notar que a medida que cambian las teorías
feministas las problemáticas planteadas también varían y en el caso argentino,
se manifiestan de diversa manera en la escena. En este caso particular voy a
hablar de tres puestas en escena que se pueden examinar bajo la lupa de la teoría
de la interseccionalidad y la lectura feminista del marxismo feminista,
propuestos por las feministas contemporáneas: Esquinas en el cielo, de Mariana
Mazover, Mecánicas de Celina Rosenwurcel y La mujer cama de Diego Casado Rubio.
Lola Proaño Gómez (Ecuador- Argentina- Estados Unidos)
Profesora Emérita del Departamento de Lenguas de Pasadena City College
(Los Ángeles), Investigadora Invitada del Instituto Gino Germani, de la
Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad Nacional de Buenos Aires. Recibió
su doctorado con énfasis en teatro y poesía latinoamericana en la Universidad
de California Irvine y su doctorado en Filosofía en la Universidad Católica de
Quito. Fue profesora de Filosofía en la misma Universidad. Actualmente dicta
Seminarios de doctorado en la Universidad Nacional de Buenos Aires, Facultad de
Filosofía y Letras y Seminarios de Posgrado en la Universidad de la República,
Montevideo. Es miembro del Consejo Editorial de varias revistas
latinoamericanas (Estados Unidos, Brasil, Chile y Argentina), ha publicado
numerosos artículos en revistas especializadas en USA, España, Argentina,
Ecuador, y Chile. Es autora de Poética, política y ruptura. Argentina 1966-73
(Atuel 2003), Poéticas de la globalización en el teatro latinoamericano (Gestos,
Irvine, California 2007) y de Teatro y estética comunitaria. Miradas desde la
filosofía y la política (Editorial Biblos, Buenos Aires 2013). También ha
trabajado como editora de diversos títulos sobre dramaturgia y teoría teatral,
por ejemplo la Antología de Teatro Latinoamericano publicada por el Instituto
Nacional de Teatro (3 volúmenes), realizada con una Beca de investigación del
National Endowments for the Humanities, en un trabajo conjunto con Gustavo
Geirola (2010) y Dramaturgia Ecuador-Perú (2012), publicada por la Universidad
Científica del Sur en un proyecto de colaboración bi-nacional entre los dos
países.
Testimonio, activismo y nuevas dramaturgias en el
teatro de Patricia Ariza
Patricia Ariza, cofundadora junto a Santiago
García de la Casa de la Cultura, hoy Teatro La Candelaria, y directora del
Festival de Mujeres en Escena y del Festival de teatro alternativo (FESTA), es
una de las pioneras del teatro de mujeres en Colombia e influyente activista
social, defensora de los derechos humanos y el proceso de paz en Colombia. Su
trabajo revela las tensiones complejas en la tarea de concientización pública
del testimonio de las víctimas de un conflicto armado que ha durado más de 60
años. Ariza da voz a las víctimas de la violencia en montajes liminales que se
desplazan entre el testimonio y el performance; entre sobrevivientes que
vocalizan sus experiencias y actores profesionales; entre lo personal y lo
político. Sus obras y performances desafían la versión pedagógica de la nación
y sus contratextos performativos mediante la reapropiación y resignificación de
los espacios hegemónicos; sobrepasan, de este modo, las limitaciones textuales
del teatro y crean un lenguaje propio capaz de tejer una Historia más justa a
la experiencia de la mujer víctima de la violencia en Colombia.
Bibiana
Díaz (Colombia – Estados Unidos)
Doctorada
del programa de Español por la University of California, Irvine, con
especialización en literatura y teatro y un énfasis en estudios de sexualidad y
género. Bibiana Díaz actualmente es profesora titular de literatura, teatro y
español en California State University, San Bernardino y Spanish Faculty en el
programa de inmersión en Middlebury College,
Vermont durante los veranos. Su investigación sobre la ficción y teatro
colombiano se enfoca sobre cuestiones de género, LGBT, discriminación social,
violaciones de los derechos humanos, nación y violencia. Además de su pedagogía
e investigación, es también Assistant Editor para Gestos, Revista de teoría y
práctica de teatro hispánico, al igual que directora de Acto Latino, grupo de
teatro en español en California State University, San Bernardino.
La paz, el gran relato.
Intervención
especial de Patricia Ariza a propósito de los 40 años de Teatro La Candelaria
El arte y
el teatro, además de ser ejercicios humanos de libertad, son también una
indagación singular en los subterráneos de la sociedad cuyo reconocimiento
tiene que ver con la cultura, es decir, con la noción de valor que la sociedad
le otorga. Pero también, por supuesto, con los valores que las contraculturas
emergentes y alternativas, de ruptura y de resistencia se otorgan a sí mismas.
Existen diversas culturas, pero atravesadas por las clases y los conflictos. La
cultura misma es conflicto. Hablaremos de dos: una cultura que vive e
incrementa la violencia y otra que resiste y la enfrenta. Los medios de
comunicación, hoy, apropiados por las corporaciones financieras, son un fuego
cultural que incendia los espíritus y los prepara y mantiene para y en la
confrontación. Es alarmante la situación de Colombia, en donde las fuerzas
opositoras a la paz constituyen un poder con una base social importante. Como
dice el poeta William Ospina, en Colombia hay un viejo país que se niega a
morir y uno nuevo que no logra nacer. Hacemos esta introducción para poder
llegar a un nosotros y nosotras en este momento y pensarnos desde el arte en el
contexto nacional e internacional. Estamos convencidos y convencidas, que toda
nación tiene territorio y relatos que la constituyen y la sostienen. El gran
relato nacional para Colombia es la construcción de la paz, pero no cualquier
paz, una paz con justicia social, que sea capaz de construir la no repetición
de los hechos que posibilitaron la guerra.
Patricia Ariza (Colombia)
Dramaturga,
poeta y actriz. Colombiana, activista política y directora de teatro y de los
festivales Alternativo y de Mujeres en escena por la paz. Autora de varios
libros, como “Teatro mujer”, “Hojas de papel volando”, “Bateman”, “Habitar los
cuerpos, habitar la calle” y de numerosos libros colectivos. Es cofundadora del
Teatro La Candelaria, de la Corporación Colombiana de Teatro. Actualmente se
desempeña como directora del Teatro La Candelaria y de la Corporación
Colombiana de Teatro. Es una de las más destacadas activistas culturales por la
paz. Hace parte del movimiento de
mujeres de teatro: Magdalena Proyect. Ha recibido numerosos premios y
reconocimientos, entre ellos: Premio Príncipe Claus, Premio como Artista de
Teatro por la Asociación de Directoras y Dramaturgas de los Estados Unidos,
Beca Ashoka como innovadora y emprendedora social, Premio Atahualpa de Cioppo
en el FIT de Cádiz, Premio Nacional de Poesía, Premio del Parlamento Colombiano
en la Orden de Gran Caballero, Premio en la Alcaldía de Gustavo Petro por sus aportes
a la paz, Premio del Concejo de la ciudad de Bogotá como artista destacada de
la ciudad. Ha sido coautora de las creaciones colectivas “Guadalupe años sin cuenta” y “Los
diez días que estremecieron al mundo” que recibieron el Premio Casa de las
Américas. Es Doctora Honoris Causa por el Instituto Superior de Arte de
Cuba.
Dimensión de las Temporadas Igualdad Mujeres
Hombres en las Artes Escénicas en el contexto teatral en Francia y España
Desde
Clásicas y Modernas impulsamos las Temporadas Igualdad MH en las artes
escénicas, secundando el modelo implantado en Francia. Este año logramos el
lanzamiento en España, a partir del compromiso del CDN, el Conde Duque y el
Festival de Almagro, gracias a la organización de Grupos Promotores de las Temporadas
en todo el país.
Margarita Borja (España)
Poeta,
autora y directora escénica de trayectoria internacional desde 1993. Son más de diez sus obras de teatro y
performance producidas, coproducidas, estrenadas y publicadas en diversos
soportes, con giras en España, Iberoamérica, Europa y EE.UU. Entre ellas destaca “Helénica, poemas para El Público” (1993), “Almas y Jardines” (1995), “Toda
la Humanidad Habla de Troya + Hécuba, nómos y música de las ciudadanas” (1998),
“Las Flores del yodo” (2000), “Oratorio del cubo de San Agustín” (2003), “Olimpia
de Gouges o la pasión de existir” (2011). Impulsó en 1996 y coordinó hasta
2013 el Encuentro de Mujeres de Iberoamérica en las artes escénicas en el FIT
de Cádiz, y gestionó la publicación de los libros de actas. Dirigió en 2007 en
Barcelona el Festival internacional Piezas Conectadas Magdalena Project. Cofundadora
en 2009 y actual vicepresidenta primera de Clásicas y Modernas, impulsa a
partir de 2011 las Temporadas Igualdad Mujeres Hombres en las Artes Escénicas
en todo el territorio español, en colaboración con el Mouvement HF francés por
la igualdad en las artes escénicas, referente pionero para este proyecto de
aspiración europea.
Moderador: Eberto
García Abreu (Cuba)
12:30 a 14:00
Panel 2
Crítica, teoría e
investigación: interacciones con los relatos teatrales, la historia y la
memoria en los escenarios sociales, políticos y culturales contemporáneos
Teatro ateleológico
La ponencia se centra en el concepto de a-teleología, aplicado tanto a la forma dramática como a la forma
espectacular. El drama, y consecuentemente su modelo clásico de representación,
implicaba siempre un horizonte finalista; éste se hallaba íntimamente vinculado
a un sistema de pensamiento y a un sistema económico basados en el objetivo del
premio y la lógica del beneficio. Tanto en el ámbito de la nombrada “crisis del
drama”, así como en la teoría de lo post-dramático, el concepto de teleología
se revela inactual, dejando espacio a formas dramáticas y espectaculares ateleológicas. Dichas formas estimulan
modalidades de recepción diferentes de la interpretación lógico-finalista y
abren a una nueva manera de interpretar y experimentar la realidad, buscando
alternativas al sistema de pensamiento y de paso a los sistemas económico,
político, social hegemónicos.
Davide Carnevali (Italia)
Autor y teórico, doctor en Artes Escénicas
por la Universitat Autònoma de Barcelona. Ha sido galardonado, entre otros, con
el Premio nacional de nueva dramaturgia italiana – “Premio Riccione” (2013); con el premio
de “Les journées de Lyon des auteurs” (2012); con el premio “Theatertext als
Hörspiel” en el Theatertreffen Stückemarkt de Berlín (2009). Sus obras
han sido presentadas en diferentes festivales y temporadas internacionales y se han
traducido a una docena de lenguas. Actualmente
imparte clases de Teoría y Dramaturgia en la Academia de Arte Dramático “Paolo
Grassi” de Milán y en “17, Instituto de Estudios Críticos” de Ciudad de México. Forma parte del Comité de Dramaturgia del
Teatre Nacional de Catalunya y del consejo de redacción de las revistas “Hystrio” (Milán), “Pausa” y
“Estudis Escènics” (Barcelona). Su ensayo Teorías
para la crisis del drama (en el teatro de la nueva Europa) está en curso de
publicación, en italiano, por la editorial de la Università Cattolica de Milán
y, en catalán, por el Institut del Teatre de Barcelona.
Estrategias,
cruces y supervivencia del Teatro Clásico en Argentina
Desde el s. V a.C. se viene hablando de la crisis del Teatro en
Occidente, y más específicamente del Teatro Clásico grecolatino como género
condenado a una muerte inminente. Pero la realidad pareciera demostrar lo
contrario, simplemente haciendo un balance de la producción contemporánea del
mismo, por ejemplo en Argentina. Es bien conocida la producción argentina del
teatro comercial, off o under, sin embargo, algo que no se tiene
habitualmente en cuenta, es el incremento considerable en los últimos años de
la producción de Teatro Clásico, o mejor dicho de tema clásico, tanto en los
circuitos oficial y privado de Buenos Aires como en el resto del país. Esta
producción se ve reflejada también en el aumento de estudios, publicaciones y
congresos donde se debaten temas de interés no solo para los teatristas, sino
también académicos y especialistas, en un beneficioso intercambio que diluye
poco a poco las fronteras afirmando consecuentemente la integración y
asimilación provechosa de las diferencias específicas.
Rómulo Pianacci (Argentina)
Arquitecto,
diseñador, autor y director teatral. Docente e investigador universitario.
Fundador y Director Artístico del Grupo de Investigación Teatral Güennakén
desde 1982. Actualmente dirige en la UNMdP el Teatro Nova Scæna, dedicado al
teatro clásico grecolatino y es Vicepresidente de ATEACOMP. Magister Artis en
Letras Hispánicas por la UNMdP, en 2007 y doctor por la Universitat de
València. Ha publicado, dictado conferencias y cursos en Brasil, Chile,
Colombia, Cuba, España, EE.UU., Francia, Italia, México, Portugal y Uruguay. Actualmente es Presidente
de ATEACOMP (Asociación Argentina de Teatro Comparado, y se encuentra abocado a
la organización del VIIIº Congreso Internacional en Mar del Plata, para agosto
del 2017.
Teatro comunitário: análise filosófica do
resgate da identidade e memória coletiva como forma de resistência às
sucessivas crises social e política provocadas pelo Estado mínimo
O presente
trabalho visa demonstrar o potencial político e social do teatro comunitário,
sobretudo diante da limitação, cada vez maior, de direitos e expressão da
cidadania no século XXI. Para além da estética particular do teatro
comunitário, encontramos mecanismos de resistência ética para solução de
problemas, decorrentes das sucessivas crises sociais e políticas. Este tipo
específico de teatro resgata as origens teológicas da filosofia política de
Hannah Arendt, tanto as clássicas como as medievais, abarcando em sua prática a
comunhão, a solidariedade e o sentido da condição humana livre. O teatro
comunitário trás em sua essência o sentido da política como liberdade, pelo
fato de que a política é espontaneidade da ação humana, uma criação dos seres
humanos que aparecem uns aos outros através da ação e do discurso, por meio da
igualdade (processo colaborativo e coletivo), em condição de igualdade. Deste
modo, a análise do teatro comunitário é possível na medida em que resgatamos
uma compreensão particular de política, ligada à liberdade, a justiça e à
igualdade.
Beatriz Wey (Brasil)
Pós-
doutorando pela Escola de Teatro e Cinema da Amadora- Lisboa- Portugal. Doutora
em Ciência Política. Atriz , encenadora e Diretora teatral. Professora da
Universidade Federal Rural do Rio de Janeiro em “Teoria Política” e “Arte e
Política”. Coordena o programa institucional de incentivo às licenciaturas da
Universidade federal Rural do Rio de Janeiro: Teatro comunitário e os direitos
humanos. Coordena o projeto de extensão universitária: teatro e política na
universidade pública. Atua como membro permanente da Women PLaywrights
Internacional Conference. Últimos trabalhos cênicos: “Em busca da Política”, “A
Banalidade do Mal”, “Desaparecidos Políticos” e “O Santo excomungado”.
Teatro a oscuras. Estrategias de resiliencia en el teatro de
Buenos Aires.
La pregunta que se presenta
a la hora de discutir sobre la producción teatral para escenarios sociales en
crisis pone en relieve la coyuntura política específica de cada escenario en
cuestión. Esta breve ponencia intenta informar y discutir sobre los obstáculos
y desafíos qué actualmente se plantean dentro de nuestras comunidades
teatrales, prestando especial atención a la escena teatral argentina. Actualmente
Argentina está atravesando una etapa compleja y preocupante producto de las
políticas del nuevo gobierno neoliberal liderado por Mauricio Macri y
acompañado por personajes provenientes de los círculos más acérrimos del
conservadurismo económico. La intención es brindar un panorama actualizado de
la situación actual a modo de relevo y denuncia ante el embate de las políticas
actuales contra la escena cultural y el estado de vaciamiento y abandono de los
establecimientos teatrales más importantes del país.
Ariel Gutiérrez (Argentina)
Docente e investigador teatral.
Realizó su formación teatral en la Ecole International de Teatre Jacques Lecoq
y en LISPA (London International School of Performing Arts). En Buenos Aires
estudió dramaturgia con Mauricio Kartun y dirección teatral con Ruben
Szuchmacher. Pedagógicamente participó de talleres en Timbre 4 con Claudio
Tolcachir y el Sportivo Teatral, con Ricardo Bartís. Doctorado en la
Universidad de MIami en Lenguas Modernas y Literatura, actualmente reside en
Berlín donde se desempeña como docente en LISPA (London International School of
Performing Arts - Berlin campus).
Moderadora:
Rocío Galicia (México)
25 Oct 2016
10:00 a 12:00
Panel 3
Crear
y producir teatro para escenarios sociales y políticos en crisis
Teatro, performance y
liminalidad para la realidad política de Iberoamérica
A diferencia del discurso de los políticos de carrera cuya intención
es la autopromoción a la luz de una línea o sustento ideológico, la intención
del arte escénico radica en realizar la virtualización de la realidad por medio
del insustituible recurso de la convención. Así, inmerso en una realidad de
radicalizaciones e intransigencias, de ejercicio de la fuerza policial como
único recurso para erradicar las manifestaciones de descontento social,
inconformidad laboral, discriminación y desigualdad de todo tipo, el teatro
iberoamericano que se hace hoy y cuya vocación política aspira a la conciencia
reflexiva, no dirige diatribas contra el poder ni propone la revolución y el
enfrentamiento violento como única posible solución a las situaciones de
tensión en que el canon maniqueo coloca al ciudadano; elige, por el contrario,
la diversidad dialéctica como recurso por excelencia de análisis y apropiación.
Desde esa confluencia de miradas se puede realizar el análisis de las diversas
posibles ideologías que intervienen en los hechos artísticos denominados
teatro, cuya temática de índole política corresponde a algunos de los
movimientos sociales ocurridos en el devenir histórico de Iberoamérica, tomando
como referencias de estudio, entre otros textos: “El rumor del incendio”, de
Lagartijas tiradas al sol, en México. “Mi vida después” y “El año en que nací”,
de Lola Arias, en Argentina. “Villa” y “Discurso”, de Guillermo Calderón, en
Chile. “CCPC”, de Pedro Franco, en Cuba.
Enrique Mijares (México)
Doctor en Letras Españolas por la Universidad de Valladolid, España.
Becario del Sistema Nacional de Creadores de Arte desde 1999. Profesor de
tiempo completo en la Universidad Juárez de Durango, donde dirige la serie
editorial Teatro de Frontera y el taller de Teatro Espacio Vacío. Como
dramaturgo ha obtenido tres Premios Internacionales, Tirso de Molina 1997,
Manuel Acuña 1996 y Emilio Carballido 1995. Sus ensayos están reunidos en los
libros: La realidad virtual del teatro Mexicano (Juan Pablos: 1999), La
realidad hipertextual del teatro mexicano (ICED: 2010) y El espectador conoce
el futuro (Libros de Godot, 2015).
Mecánicas
teatrales
Un recorrido por las claves
de construcción dramática que inspiraron la creación de "Mecánica",
obra de Abel González Melo, en diálogo con dos producciones de la misma: Argos
Teatro (Cuba, dir. Carlos Celdrán, 2015) y Teatro Circular de Montevideo
(Uruguay, dir. Mariana Wainstein, 2016). Libremente inspirada en "Casa de
muñecas" de Henrik Ibsen, el texto se plantea como "demostración de
las leyes del movimiento" de Isaac Newton: inercia, fuerza y acción-reacción.
Se ofrecerá una perspectiva sobre la forma en que el texto es leído por ambos
montajes, poniéndolos en contexto y analizando la repercusión de los mismos.
Abel
González Melo (Cuba)
Licenciado en Teatrología
por el Instituto Superior de Arte de Cuba y Máster en Teatro por la Universidad
Complutense de Madrid. Es uno de los dramaturgos cubanos más estrenados,
traducidos y publicados de la actualidad. Algunos de sus títulos más conocidos
son "Chamaco", "Talco" y "Cádiz en mi corazón".
Entre sus premios recientes de dramaturgia se encuentran, en 2014, el Virgilio
Piñera a "Epopeya", el de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba a
"Mecánica", y el de la Crítica Literaria a "Sistema".
Diálogo crítico y movilización de afectos en
dos propuestas escénicas fronterizas
La
experiencia latinoamericana demuestra que las verdades silenciadas han
encontrado en el teatro un territorio fructífero para su visibilización, es así
que diversos grupos y compañías teatrales han trabajado durante décadas por
colocar en presente la narrativa de las grandes catástrofes humanas. En esta
ocasión propongo como punto de partida el reconocimiento que la catástrofe se
piensa y poetiza de manera diferente cuando median años entre los
acontecimientos trágicos y la representación teatral ˗como sería el caso del
teatro colombiano y peruano que hoy se trazan como ejes la reparación poética y
el ejercicio de la memoria˗, que cuando se habita el “ojo del huracán”, como es
el caso mexicano donde la violencia amenaza la vida de los habitantes de
ciudades y pueblos que han quedado cercados entre narcotraficantes, militares,
políticos y empresarios voraces. Desde este emplazamiento, nos hemos preguntado
insistentemente, ¿qué papel juega el teatro en estos contextos de miedo cuando
no de exterminio? Hoy encontramos que diversas prácticas escénicas renuncian a
un registro estrictamente artístico (acartonado y disciplinado) para asumirse
como prácticas culturales disidentes, cuyos objetivos son el diálogo crítico con
sus espectadores, la movilización de los afectos y la desautomatización de un
pensamiento construido por la maquinaria mediática. Para profundizar este
planteamiento se tomará como ejemplo el trabajo desarrollado por los colectivos
Danzarena (Chihuahua, México) y Teatro para el Fin del Mundo (Tamaulipas,
México). Ambas propuestas escénicas sirven para lanzar preguntas sobre lo
político en el teatro, sus espacios y la participación de los espectadores.
Rocío Galicia
(México)
Doctorante
en Letras Modernas por la Universidad Iberoamericana, es maestra en la misma
especialidad y licenciada en Literatura Dramática y Teatro por la UNAM. Es
investigadora titular del Centro Nacional de Investigación Teatral Rodolfo
Usigli, donde sus líneas de investigación abarcan los procesos creativos para
el teatro, la dramaturgia fronteriza y las escrituras de violencia. Ha
publicado 5 libros de su autoría y más de medio centenar de ensayos y artículos
en libros colectivos y revistas especializadas. En el área docente es profesora
de la maestría en Artes de la Universidad Autónoma de Chihuahua. Actualmente
tiene a su cargo la coordinación académica de la colección editorial Biblioteca
de Estudios Teatrales de la Editorial Libros de Godot, asimismo coordina el
grupo de investigación Teatro de Fronteras de la Asociación Mexicana de
Investigación Teatral.
Teatro político o producir políticamente el
teatro: Del éxito de la escena a la soledad del bolsillo (Notas finales para el cierre de una
experiencia que aún vive)
En el
principio fue la necesidad. Siempre la necesidad y la resistencia funcionaron
como combustibles poéticos que nos salvaban de la inercia. Se trataba de un
juego en serio que nos alejaba de la rutina y nos llevaba a zonas de riesgo,
para intentar conquistarlas y modificarlas en zonas de confort. En todo caso
podía tratarse de una pequeña victoria pírrica que nos ofreciera la sensación
de avance, de movimiento acertado. Con CCPC se conformaba una dinámica de
grupo que entendía el acto de Resistencia. Implicaba el gesto de querer avanzar
y los disímiles mensajes que emitiría con sus impredecibles consecuencias.
Suponemos que era gratificante sentirse participativo de la experiencia, aunque
la relatividad de la avanzada, de la ofensiva revolucionaria, de la invasión, no
mostrara resultados contundentes; solo la permanencia era leída por nosotros
como una posibilidad de estar en el juego. Sin embargo, creo que nos movíamos.
Pedro Franco (Cuba)
Actor y
director de Teatro El Portazo. Egresado de la Escuela Nacional de Artes.
Vicepresidente de la Asociación Hermanos Saíz (AHS), organización no
gubernamental encargada de la promoción del arte joven cubano. Se ha
desempeñado como actor en diversas agrupaciones “Pequeño Teatro de la Habana”,
“Lirico Nacional de Cuba”, Cía. Teatral “El Mejunje”, “Teatro El Mirón Cubano”,
“Teatro Icarón” entre otros. Con la trilogía “En Zona” a partir de textos de
jóvenes dramaturgos cubanos ha transitado por el circuito teatral de la Isla
obteniendo varios premios y reconocimientos.
La agrupación que dirige desde el 2011 sostiene una permanente
investigación sobre las estrategias de producción y programación de sus
espectáculos, discursando desde la escena sobre tópicos que condicionan lo que
hoy llamamos como zona emergente del Teatro Cubano. Actualmente es profesor de
Arte Dramático en la Universidad “Camilo Cienfuegos” de la ciudad de Matanzas.
Moderadora: Vivian
Martínez Tabares (Cuba)
26 Oct 2016
10:00 a 12:00
Panel 4
Géneros,
identidades y discursos escénicos: construir diálogos de integración y
afirmación de las diferencias II
Feminismo, cuerpo e imagen en el teatro de
Susana Torres Molina
En este
artículo se analiza el trabajo teatral de Susana Torres Molina centrado en
imágenes que tienen que ver con el cuerpo y, en especial, con el cuerpo de la
mujer. Se considera tanto su trabajo de dirección como su producción como
autora teatral. Varias de las obras dirigidas por Torres Molina hacia fines del
siglo pasado, pueden encuadrarse dentro de la estética del teatro de la imagen,
enfocando su temática en el mundo de la mujer. El trabajo de Torres Molina
ensambla, como pocos dramaturgos y directores logran hacerlo, el texto
dramático y el texto espectacular de una manera integral y coherente. Más aún,
el texto espectacular nutre y llena los lugares de indeterminación del texto
dramático, borrando las barreras teóricas que pudieran concebirse en pos de un
análisis estructural. De igual manera, como pocos teatristas argentinos, Torres
Molina logra mantener la profundidad del contenido de sus obras, a pesar de lo
arriesgado de sus experimentos con múltiples formas y estéticas.
Eduardo Cabrera (Argentina – Estados Unidos)
Doctorado
en Literatura Latinoamericana, con especialización en Teatro, en la Universidad
de California, Irvine. Durante 10 años dirigió una academia de teatro en
Hollywood, California. Actualmente enseña cursos de Literatura Latinoamericana
y Española, Cultura, Teatro, Español Comercial y de castellano en Millikin
University, en donde se desempeña como jefe del Departamento de Lenguas
Modernas. Ha publicado artículos sobre literatura, política y teatro en
revistas profesionales de Argentina, Chile, Colombia, Cuba, España, México,
Perú, Uruguay y los Estados Unidos. Publicó los libros Teatro argentino. La
dirección teatral en Buenos Aires (The Edwin Mellen Press) y Teatro breve para
la clase y el escenario (Gyldan Edge), que contiene 7 obras breves de su
autoría. Actualmente el Dr. Cabrera es jefe del programa nacional Advanced
Placement de Literatura y Cultura en Español en los Estados Unidos.
Madres Coraje del teatro paraguayo
La ponencia
gira alrededor de las mujeres creadoras en el teatro paraguayo sean ellas
actrices, directoras, dramaturgas, cabezas de compañías, productoras y
gremialistas del teatro paraguayo quienes en participación y acción son
cuantitativamente las más numerosas y cualitativamente las más destacadas.
Además del aporte de las mujeres paraguayas a la conservación del valioso
patrimonio cultural bilingüe guaraní desde los hogares; lengua madre de la poética
y dramaturgia paraguaya identitaria nacional.
¿Qué lugar
ocupa el teatro paraguayo en las artes, en relación a las demás disciplinas
artísticas y en la valoración socio económica y cultural que el teatro tiene
hoy en la sociedad paraguaya teniendo como perspectivas e indicadores las
políticas culturales públicas y comunales? ¿Cuál es la incidencia del teatro en
el mercado de las industrias culturales incipientes o desarrolladas en el
país? ¿Cuál es el sitial del teatro en
la sociedad cultural paraguaya en tanto es un lenguajes artístico expresivo
acuñado por mujeres? ¿Cómo va cambiando
de protagonistas y géneros gerenciales
en tanto cuanto el teatro se va transformando de arte teatro a teatro
mercancía? En el corredor regional de
mercancías globalizadas de las artes del entretenimiento, ¿cuáles son las
estrategias de sobrevivencia del matriacal
teatro paraguayo de arte? De esto se pregunta nuestra investigación y
ponencia.
Raquel Rojas (Paraguay)
Directora
teatral, investigadora y escritora. Periodista y comunicadora de formación
académica, especializada en CLACSO en estudios de género y culturas y
antropología cultural. Fue integrante del Grupo Tiempoovillo. Inivtada por
Enrique Buenaventura a integrar durante medio año el TEC de Cali. Fundó y dirigió
el histórico Grupo proyecto de Resistencia e identidad por el Teatro: Aty Ñe e
junto actores y actrices del teatro paraguayo en tiempos resistencia contra la
dictadura. Por Darío Fo y Franca Rame es
invitada a trabajar en la Comuna en Milán. Allí estudia Dirección teatral en el
Piccolo Teatro de Milano y es asistente observadora de Giorgio Strelher. En
esta etapa se interioriza en la Comedia del Arte Italiana. Desde el año 2000
funda El Camarín Cultural de Asunción
una escuela teatro libre donde realiza montajes de repertorio de teatro de arte
paraguayo y latinoamericano para teatros comunales, culturales y espacios
alternativos. Su preocupación continua es el teatro de Arte e identidades en
Paraguay y América Latina. “Navegaciones
escénicas“, (2016) su último libro está escrito para escuelas de teatro.
La inmigración a escena: diálogo de
integración en 2 piezas de Antonio Lozano
Antonio
Lozano, un creador comprometido con la realidad social y política del
continente africano ha saltado de la narrativa a la escena con las obras Me
llamo Suleimán y Los malditos, dos piezas en las que
da voz a jóvenes inmigrantes que ofrecen un discurso muy diferente al de los
titulares de prensa, radio y televisión.
Carmen Márquez Montes (España)
Profesora
Titular de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria. Tiene 10 libros
publicados, además de dos monografías de revistas, y un centenar de capítulos
de libros y artículos en revistas de España, México, EEUU, Venezuela, Francia,
Argentina, Portugal, etc. sobre teatro español e hispanoamericano. Ha
participado y sigue haciéndolo en proyectos de investigación sobre las
relaciones literarias entre España y América, como “Migraciones Intelectuales:
Escritores hispanoamericanos en España (1914-1939)” [Proyecto de Excelencia] o
“Políticas del cuerpo y de la imagen: un estudio comparado de la creación
escénica en América Latina y España (1980-2000)” [I D I Ministerio de
Educación], o el actual "Hipotexto de Galdós", entre otros. Forma
parte del comité de edición de la colección “Escritores del Cono Sur” de la
Universidad de Sevilla y de la sección de teatro del Servicio de Publicaciones
de la Universidad de Murcia; forma parte del consejo editorial de varias
revistas. Es miembro del grupo de investigación "Relaciones Literarias
entre Andalucía y América" (desde 1991 hasta la fecha, Univ. de Sevilla) y
de “Investigaciones Literarias y lingüísticas en español” (ULPGC). Su principal línea de investigación es los
estudios escénicos del ámbito hispano.
Moderadora: Alicia
del Campo (Chile – Estados Unidos)
27 Oct 2016
10:00 a 12:00
Panel 5
Crear
y producir teatro para escenarios sociales y políticos en crisis II
Teatralidades de la crisis
neoliberal: entre la memoria y la fiesta
El marco general de la crisis actual, en tanto agotamiento de la
capacidad de hegemonía ejercida por los administradores de la lógica
neoliberal, ha generado paralelamente el desenmascaramiento de la relación
entre el mundo político y el mundo empresarial. Los hilos invisibles se hacen
ahora evidentes y mientras que la clase política entra en una profunda crisis
de legitimidad. Pareciera no haber futuro que pueda confiarse a las poderosas
manos del Estado. En este contexto de desencanto ¿cuál es el rol que cumplen el
teatro y las teatralidades? ¿Cuáles son los nuevos espacios desde los cuales
abordar lo social y lo político con miras a formular una mirada crítica y
desarticuladora? Como se transforman los modelos de producción teatral y cuáles
son las nuevas poéticas de la escena que buscan ejercer desde nuevos
imaginarios una crítica al modelo imperante. ¿De qué manera se transforman las
poéticas teatrales de la memoria para configurar estas nuevas poéticas de la
resistencia? ¿Cómo cambian las poéticas de la memoria para instalar otras
nuevas concepciones de la memoria, otras memorias y otros espacios capaces de
ejercer una función crítica de los monumentos sobre los que se han ido
instalando tales discursos de memorialísticos? ¿Cómo es posible para la crítica
evaluar la función política de estos discursos teatrales? ¿De qué manera el
teatro y las teatralidades participan de los procesos de resistencia, y disenso
en el marco de la crisis neoliberal actual?
Alicia del Campo (Chile – Estados Unidos)
PhD. Profesora
titular (Full Professor) del Departamento de Romance, German and Russian
Languages and Literatures en California State University, Long Beach. Antropóloga (U de Chile) y
Doctora en Literatura (University of California, Irvine). Es Assistant Director
del Programa de Estudios Latinoamericanos. Es autora del libro “Teatralidades de la Memoria: Rituales de
Reconciliación en el Chile de la transición”
(Santiago/Minneapolis, Mosquito 2004) y ha editado los libros:
“Teatro en danza” (Cádiz, 2008), “Isidora Aguirre: Antología esencial”
(Santiago, 2007). Es co-editora de: “Traviesas
de Paz y Campos de batalla” (Cádiz: 2004); “Memory and Popular Culture” (Latin American Perspectives,
Riverside: 2009); “The Other 9/11: Chile, 1973—Memory, Resistance, and
Democratization” (2016) y “Radical History Review”.
Mientras viva la memoria.
Relatos de las teatralidades de la década del 80 al 90 en Medellín (caso Grupo
Exfanfarria Teatro)
En las décadas de los ochenta y
noventa se fueron delimitando unos recorridos en la búsqueda y configuración de
unas teatralidades y poéticas escénicas en la ciudad de Medellín, las cuales
propiciaron la instalación de nuevos grupos y la consolidación de otros que
provenían de los años sesenta y setenta. En este contexto el grupo La
ExFanfarria Teatro cimentó su creación en la dramaturgia de autor, en cabeza de
José Manuel Freidel, su fundador principal. Su trabajo propuso una ruptura de
carácter estilístico y estético frente a las formas de producción basados en la
“creación colectiva”, fuerte tendencia de esa época. Su legado dramatúrgico,
además de otras interacciones de los textos mismos y desde la dirección,
permitió visualizar unas maneras diferenciales de abordar las artes escénicas
locales y nacionales. Es desde estas miradas que se aborda el trabajo de
Freidel y su particular mirada a la ciudad de Medellín.
Luis Fernando Zapata
(Colombia)
Licenciado en Formación Estética, con 44 años en las artes escénicas
ha sido actor, director, dramaturgo, actor-bailarín y performer. Docente en
distintas instituciones de educación superior como la Escuela Popular de Artes
de Medellín, Universidad de Antioquia en los programas de teatro y danza y en
la Escuela Superior Tecnológica de Artes Débora Arango. Miembro fundador del
Teatro Libre de Medellín, ExFanfarria Teatro y Tacita E’ Plata, de estos dos
últimos es su actual director artístico. Su dramaturgia se ha basado en los
continuos estados de conflicto y violencia colombiana y en reflexiones sobre la
identidad de género.
Voces y Recorridos Escénicos en la ciudad de
Medellín
Una mirada
por el estado de los grupos y estéticas teatrales da cuenta de los recorridos estéticos y de la historia de algunos
grupos de teatro de Medellín en los últimos 30 años, para lograr un
acercamiento a la historia del teatro de la ciudad. Se trata de un valioso
reservorio de la memoria de un territorio, pues son discursos colectivos que
conllevan estrategias de ficción con discursos urbanos y universales, que
abordan diversas temáticas. La gran mayoría de grupos refieren la violencia que
se ha vivido en la ciudad, en la región y en el país, demostrando una mirada
crítica y de denuncia social. Se presentan las producciones en el correlato
artístico y en la dramaturgia del tema de la violencia, denominadas como
Dramaturgias de la violencia, Dramaturgias de la Resistencia o Dramaturgias de
la memoria, y otras como Poéticas del Horror. Siguiendo con la complejidad de
las expresiones del teatro que habla de la violencia y de la reconstrucción, en
este último término tenemos un arte que aboga por la reconstrucción de la
memoria, ya sea para formarla o restablecerla.
Juan Pablo David Ricaurte Londoño (Colombia)
Es el
director del fondo editorial A teatro-Atrae y de la publicación A
teatro Revista, Docente universitario en cátedras de teatro y gestión
cultural, investigador teatral, gestor y productor escénico, narrador oral. Ha
sido asesor, consultor en políticas culturales de los gobiernos del municipio
de Medellín y también ha sido jurado de los programas de fomento y estímulo en
Colombia. Colaborador y articulista en varias publicaciones de artes escénicas
de Iberoamérica. Director ejecutivo de Atrae y Asencultura. Asesor y director
de festivales de teatro y danza
Del infierno a la
utopía: el teatro en Cuenca del Ecuador
En los pasados quince años, el teatro contemporáneo de
Cuenca constituye el movimiento más vital, diverso y rico que tiene actualmente
el Ecuador. En esta ponencia rastrearemos los orígenes de este proceso
cultural, cuáles son las características que definen la realidad teatral de la ciudad,
las variantes fundamentales que ha tenido e intentaremos definir hacia dónde se
dirige. Abordaremos los antecedentes que han conducido a esta realidad del
teatro en Cuenca, situados en los lejanos años 70 y 80, el momento clave en el
cual se constituyeron los grupos más relevantes de la ciudad durante la década
de los 90 e inicios de los años 2000, la crisis de estos grupos en la segunda
década del siglo XXI y sus razones. Así definiremos cuáles son los derroteros
actuales del Teatro en Cuenca. Será importante determinar en la caracterización
no solo el trabajo de grupos, colectivos, creadores individuales e incipientes
compañías, sino el papel que en este proceso ha tenido la academia – a través
de dos Escuelas de Artes Escénicas existentes en la ciudad – y algunos eventos
y festivales que han marcado de manera definitiva el quehacer de las tablas en
la ciudad. Este complejo proceso ha promovido la existencia de un campo
escénico sumamente rico, que es el más interesante que actualmente posee el
Ecuador, pese a que – por razones propias del centralismo de nuestras naciones
– la trascendencia y proyección de este movimiento aún es precaria.
Diego Alfonso
Carrasco Espinoza (Ecuador)
Actor, director teatral y docente. Gestor cultural e
investigador escénico. Magister en Estudios del Arte por la Universidad de
Cuenca. Dirige la Escuela de Danza - Teatro de la Universidad de Cuenca,
Ecuador. Doctorante en el programa de Ciencias sobre Arte en la Universidad de
las Artes, ISA, de La Habana, Cuba, de donde también es egresado de la
Licenciatura en Artes Escénicas. Fundador y director del grupo Teatro del
Quinto Río, con el cual ha participado en numerosos festivales internacionales.
Fundó y dirigió hasta el año 2011 la Escuela de Arte Teatral de la Universidad
del Azuay. Tiene una amplia trayectoria como gestor cultural. Fue Director de
Cultura de la Municipalidad de Cuenca, Director de Cultura del Azuay y Director
Ejecutivo de la Bienal de Cuenca.
En tiempos post,
una apuesta dramática
Reflexión sobre los caminos de la dramaturgia actual
en Puerto Rico en tiempos en que predominan enfoques pos-dramáticos. Se discute
y analiza el proceso de creación y la estructuración de la acción para
establecer la unicidad de cada obra, en concomitancia con los procesos políticos
y sociales del país. Para ilustrar los planteamientos, se utiliza la obra más
reciente del autor, “Terror y miserias
del tercer milenio”, estrenada en agosto de 2015.
José Luis Ramos
Escobar (Puerto Rico)
Catedrático del Departamento de Drama de la
Universidad de Puerto Rico. Ha estrenado sobre treinta obras y ha publicado
doce libros, que incluyen tres novelas, un libro de cuentos y doce obras.
Revistas como Gestos, Latin American Theater Review, Revista-Teatro CELCIT y la
Revista del Instituto de Cultura Puertorriqueña han publicado sus ensayos y
reseñas.
Moderador: Rómulo Pianacci (Argentina)
28 Oct 2016
10:00 a 12:00
Panel 6
Crear
y producir teatro para escenarios sociales y políticos en crisis II
La
Candelaria. Caravana de imágenes y textos
En el 2012, Santiago García, que había sido nombrado por el
ITI (de la Unesco) Embajador Mundial del Teatro, pronunció el discurso
conmemorativo del Día Internacional del Teatro. En esas palabras, casi
cincuenta años después de los primeros pasos hacia la creación del Teatro La
Candelaria, Santiago habló de su actitud, de los presupuestos éticos y
estéticos que alimentan al grupo en su andadura teatral. Sus palabras y mis
vivencias personales; o sea, mi relación con el grupo como espectador y
ocasional compañero de viaje (vi al grupo por primera vez en 1968), así como la
relectura de algunos de los textos son los ejes de esta intervención. Traeré a
cuento algunas imágenes y frases de personajes de diferentes obras que me
ayudarán a ilustrar brevemente el periplo de La Candelaria, los cuales son
ejemplos gráficos y elocuentes de la poética del grupo.
Carlos
Bernal (Colombia)
Ha
trabajado en El T.E.C. de Cali (dirigido por Enrique Buenaventura), Alcaravan Theater,
Alemania, o Uroc Teatro y El Gayo Vallecano en España. Como miembro del Teatro
de los Sentidos, dirigido por Enrique Vargas ha recibido el premio Max (a
Nuevas Tendencias) en España o La Rosa de la Crítica, en Munich. Autor de: La fábula de la nevera, el cuchillo y el
mechero, La siesta del faquir, Ayer de besos, Pensión Nefertiti, La parábola del buen ladrón, La pluma del ángel
caído, Cualquiera resbala. Ha publicado artículos en Primer acto, Actores,
Número, Tablas, Cuadernos escénicos y Artez.
Tres visiones sobre La
Candelaria: Colectivo de resistencia, cuerpo, imagen, representación y memoria
En su prólogo a Textos de Santiago Garcia y de / sobre el teatro de La
Candelaria en la Revista, Conjunto, co-edición de Vivian Martínez Tabares y
Luis A. Ramos-García (La Habana-Minneapolis, 2016) Vivian nos dice: “La
Candelaria no ha parado de indagar en la memoria como facultad esencial humana
y social contra la alienación y la injusticia, y lo ha hecho con sus armas, las
del teatro: el grupo ha insistido en el protagonismo del cuerpo en tanto arma
expresiva primordial en la gestación de la creación colectiva y ha defendido el
papel de la imagen y los mecanismos de la representación para superar el teatro
logocéntrico. Ha construido un teatro nacional con un lenguaje propio, y ha
sido paradigma de resistencia dentro del teatro independiente.” Por su parte,
desde una terraza, Roxana Pineda observa las calles estrechas de Bogotá,
imaginando el desfile de tragedias que están a punto de suceder o las que ya
sucedieron, haciendo un registro poético teatral de ese viaje imaginario,
espantada por la cercanía de su propio cuerpo a eso que viene de afuera.
Jugando con el tiempo y los espacios, su perspectiva adivina el apócrifo
indígena, los desplazamientos humanos, el genocidio político, los falsos
positivos, y los féretros que transitan por esas calles, otra vez tan próximas
a su cuerpo. Duele el recordar, pero más duele el olvidar, más duele la amnesia
política y sus propósitos por encubrir sus atrocidades contra la ciudadanía. Y
para eso, según ella, sirve el teatro, para reconstruir las imágenes de un
mundo que ya no está, para indagar en esas iconografías del colectivo, creando
desde la realidad artística un universo incapaz de ser destruido.
Luis A. Ramos-García (Perú – Estados Unidos)
Investigador teatral, enseña teatro Latinoamericano / U.S. Latino y
Derechos Humanos en la Universidad de Minnesota. Dirige The State of
Iberoamerican Studies Series y es miembro del Minnesota Human Rights Advisory
Committee. Ha
recibido, The President’s Multicultural Faculty Research Grant; el Imagine
Faculty Research Grant; el premio de la Asociación Cultural Yawar y de la
University of Minnesota por su trabajo en pro del teatro latinoamericano. Sus
recientes libros son: Notas sobre teatro de Miguel Rubio; The State of Latino
Theater in the United States; Teatro, memoria y herencia de María Teresa
Zúñiga; La nave de la memoria: Cuatrotablas, treinta años de teatro peruano de
Mario Delgado; con Beatriz Rizk y Nelsy Echávez-Solano, Panorama de las artes
escénicas ibérico y latinoamericanas: Homenaje al FIT de Cádiz y Posmodernismo
y teatro en América Latina: Antología crítica; Una montaña en el Horizonte: Los
Audaces. 45 años de teatro arequipeño; y con Vivian Martínez Tabares, Textos de
Santiago Garcia y de / sobre el teatro de La Candelaria en la Revista,
Conjunto. Fue invitado por la Casa de las Américas (Cuba) a ser jurado teatral
para su premio anual. Su investigación se centra en las múltiples funciones de
la memoria, la política, los derechos humanos a través de las disciplinas, los
unipersonales, los espacios de la calle, el trabajo actoral y el género noir en
la literatura / dramaturgia transatlántica.
Camilo, del Teatro La Candelaria:
escena por y para la paz en un escenario en crisis
Se analizan
las circunstancias de creación en relación con los resultados de la puesta en
escena de Camilo, la más reciente creación colectiva del Teatro La
Candelaria, como una alternativa del arte y el teatro en particular que
contribuya al fin de seis décadas de conflicto armado y violencia, en el
contexto complejo de un debate social por la paz y en paralelo a los diálogos
entre el gobierno de Colombia y la guerrilla, que se inscribe en la celebración
de una fecha importante para el grupo, en coincidencia con el asesinato del
personaje histórico que sostiene el debate conceptual. Se analiza cómo los
procedimientos artísticos para la construcción del espectáculo responden a una
postura orgánica del Teatro La Candelaria, en una nueva circunstancia, que
resume anteriores búsquedas de cada uno de los actores aprehendidas en el
trabajo con el maestro Santiago García, ligadas con la experimentación, la
invención y el diálogo con la ciencia, a la vez que se permea de la impronta de
Patricia Ariza y su experiencia artística articulada con la performancia y al
activismo social y político.
Vivian Martínez
Tabares. (Cuba)
Crítica e investigadora teatral, editora y profesora.
Licenciada en Teatrología por el Instituto Superior de Arte, en La Habana, y
Doctora en Ciencias sobre Arte por la misma institución. Miembro de la UNEAC y
de su Consejo Nacional, de la AICT, desde el 2000 dirige la revista Conjunto
y la Dirección de Teatro de la Casa de las Américas, desde donde cura y
organiza la Temporada de Teatro Latinoamericano y Caribeño Mayo Teatral. Ha
publicado cuatro libros sobre teatro y cuatro antologías. Es autora del ensayo
sobre teatro de Latinoamericana. Enciclopedia Contemporánea de América
Latina y el Caribe (Boitempo, 2006, y Akal, 2009). Trabajos suyos han sido
recopilados en antologías sobre teatro, y colabora regularmente con
publicaciones teatrales y culturales cubanas y de la América Latina, EE.UU. y
Europa. Profesora Titular del ISA, imparte un Seminario de Crítica en la
Facultad de Arte Teatral. Ha sido docente de la EICTV, en Cuba; del Instituto
Dragao do Mar en Brasil, y ha impartido conferencias en universidades de la
América Latina y Europa, así como en cursos de verano en Cuba, para varias
universidades estadounidenses. Fue becaria del Programa "Caribe 2000"
en la Universidad de Puerto Rico (1996-97). Es miembro del Consejo Asesor de la
Editorial Letras Cubanas. Ha recibido reconocimientos profesionales y la
Distinción por la Cultura Cubana y las medallas Abel Santamaría y 23 de agosto,
de su país; la Medalla por el 35 aniversario del CELCIT, y fue electa Asociada
Distinguida en el rubro de investigación (2012-2014), por el Instituto
Hemisférico de Performance y Política, en EE.UU.
Patricia Ariza: Candelaria y Performera. Sus
Acciones Poético-Políticas
Patricia
Ariza es pionera en Colombia en la creación de trabajos conjuntos de arte
acción entre personas victimizadas por el conflicto colombiano y artistas. A
más de visionario y pionero, este trabajo suyo es el más persistente y
coherente. La maestra Patricia Ariza es una de las fundadoras, con el maestro
Santiago García, del emblemático grupo de teatro La Candelaria. Ella es
directora, dramaturga, poeta, diseñadora, actriz, y performera. Las acciones
las concibe, diseña y propone ella en diálogo con las mujeres que lideran y que
integran las organizaciones de derechos humanos y colectivos de víctimas y
reclamantes por sus derechos vulnerados y en diálogo con el colectivo de
artistas de la Corporación Colombiana de Teatro y artistas que la maestra
Patricia invita a trabajar en la creación de esas acciones. Carlos Satizábal,
como observador privilegiado, en cuánto ha participado activamente en varios de
los procesos de puesta en el espacio público de las acciones poético políticas
diseñadas y dirigidas por Patricia Ariza, se propone en su intervención
describir y comentar algunas de esas acciones.
Carlos Satizábal (Colombia)
Profesor
asociado Universidad Nacional de Colombia. Facultad de Artes. Escuela de Cine y
TV. CREA: Centro de Pensamiento y Acción para las Artes, el Patrimonio Cultural
y el Acuerdo Social Ciudad Universitaria, Bogotá. Poeta, dramaturgo, escritor.
Actor y
director teatral colombiano. Corporación Colombiana de Teatro. Director de
Tramaluna Teatro.
Textos de Santiago García y
de / sobre El Teatro La Candelaria en la Revista Conjunto
Editado por: Vivian Martínez
Tabares (Casa de las Américas, Revista Conjunto, La Habana-Cuba) y Luis A.
Ramos-Garcia (University of Minnesota, Minneapolis). Octubre 2016
Presentan: Vivian Martínez
Tabares y Luis A. Ramos García
Revista Conjunto
nn. 178, 179 y 180
Presenta: Vivian Martínez
Tabares
Moderador: Juan Pablo Ricaurte Londoño (Colombia)
